Les 12 personnages de Wes Anderson qui ont fait de lui une icône

Nous devrions tous nous efforcer d’atteindre l’optimisme à long terme que Dignan (Owen Wilson), le protagoniste du premier long métrage d’Anderson Bouteille-fusée, a dans son plan de vie. Cependant, nous ne devrions probablement pas baser un plan sur 75 ans sur une ascension tâtonnante dans le monde interdit de la criminalité. Pourtant, l’exagération absurde de Dignan des émotions humaines relatables, comme la peur de la médiocrité et le désir d’un but , est devenue une marque de marque d’Anderson qui a rendu ses personnages attachants à nous depuis des décennies.

Bien que Dignan ne soit pas aussi étoffé que les personnages ultérieurs d’Anderson, la profondeur de son délire passe du comique à la mise en garde dans les derniers moments du film. Alors qu’il est assis en prison, ses derniers mots - « Ils ne m’attraperont jamais, mec. Parce que je suis putain d’innocent. » - résument parfaitement sa croyance inébranlable en son propre fantasme. Même dans la comédie, Anderson crée des personnages qui peuvent chatouiller notre sens de l’humour tout en nous brisant le cœur.

Steve Zissou (Bill Murray) incarne la grandeur tragi-comique qui définit les meilleurs personnages de Wes Anderson : un homme qui s’accroche à sa gloire passée tout en parvenant à peine à maintenir sa vie personnelle. Sa quête pour tuer le requin jaguar qui a mangé son meilleur ami est moins une question de science que de prouver qu’il compte toujours, ce qui rend des répliques comme « Quel serait le but scientifique de le tuer ? » à la fois hilarantes et déchirantes. Sa déambulation au ralenti dans son bateau le Belafonte, sur la chanson « Queen Bitch » de David Bowie, le dépeint comme un homme désespéré de maintenir sa légende, même alors que le monde évolue sans lui.

Pourtant, dans le moment le plus vulnérable du film, lorsqu’il voit enfin le requin, son murmure – « Je me demande s’il se souvient de moi » – transforme sa vengeance en une acceptation douce-amère. Murray donne vie à Zissou avec un équilibre parfait entre humour pince-sans-rire et mélancolie tranquille, délivrant chaque Chaque personnage possède un charisme naturel qui le rend à la fois absurde et profondément humain. Qu’il soit en train de bouder dans sa combinaison de plongée ou de rallier son équipe dysfonctionnelle, la présence de Murray fait de Zissou plus qu’une simple parodie d’aventuriers ratés : il le rend inoubliable.

Max Fischer (Jason Schwartzman) est le modèle de beaucoup des meilleurs personnages de Wes Anderson : un rêveur sûr de sa certitude, à la fois génie et catastrophe, dont l’ambition l’emporte de loin sur ses capacités. Il avance à travers Rushmore comme s’il en était le propriétaire, bien qu’il soit l’un des pires élèves de l’école, et sa croyance en son propre génie est si inébranlable que même lorsqu’il échoue, il est toujours convaincu qu’il gagne. Sa réplique, « J’ai sauvé le latin. Qu’as-tu fait ? » résume parfaitement le délire une suffisance finale qui le rend à la fois hilarant et étrangement inspirant. Comme Steve Zissou ou M. Gustave après lui, Max ne court pas seulement après le succès : il construit sa propre légende, que ce soit à travers son projet d’aquarium impossible ou sa pièce de théâtre sur la guerre du Vietnam, Le paradis et l’enfer.

Mais les meilleurs personnages d’Anderson ne sont pas que des dessins animés ; ce sont des personnages imparfaits, profondément humains, qui cachent une véritable douleur sous leurs bizarreries. Le chagrin de Max pour Miss Cross (Olivia Williams), son amitié qui s’effondre avec Herman Blume (Bill Murray) et son désespoir d’avoir de l’importance dans un monde qui ne cesse de lui dire qu’il n’en a pas, font de lui l’un des protagonistes les plus durables d’Anderson. Et pourtant, à la fin, alors qu’il orchestre Après une dernière grande production — pas une pièce de théâtre, mais une réconciliation —, Max apprend que parfois, les gestes les plus grandioses ne consistent pas à prouver sa valeur, mais à faire la paix. Tandis que « Ooh La La » de The Faces joue et qu’il prend la main de Miss Cross pour une danse tranquille, Max rejoint l’héritage des personnages les plus inoubliables d’Anderson — un étranger, un rêveur et une légende dans son propre esprit, mais que nous ne pouvons pas nous empêcher de soutenir.

Augie Steenbeck (Jason Schwartzman) est peut-être le personnage le plus émotionnellement perdu que Wes Anderson ait jamais créé : un expert dans la capture du monde à travers sa caméra, mais complètement incapable d’être présent dans sa propre vie. Lorsque sa femme décède, il ne le dit pas à ses enfants pendant trois semaines, attendant qu’ils soient littéralement bloqués au milieu de nulle part avant de finalement annoncer la nouvelle avec toute la chaleur d’un bulletin météorologique.

« Elle est dans le Tupperware », dit-il catégoriquement, en tenant les cendres comme si elles n’étaient qu’un autre bagage. Mais le chagrin d’Augie n’est pas bruyant ni théâtral : il est si profondément enfoui sous son attitude impassible que même lui ne semble pas le reconnaître. Il se déplace La cité des astéroïdes comme un homme qui répète un rôle qu’il a oublié comment jouer, s’appuyant sur la sécurité de sa routine et gardant tout à distance : ses émotions, ses enfants, et même lui-même.

Ses moments avec Midge Campbell (Scarlett Johansson) offrent un aperçu de quelque chose de brut, de non scénarisé, en particulier leur échange calme et époustouflant à travers la fenêtre du motel, où elle lui dit de « simplement le ressentir » et il admet : « Je ne sais pas comment ». Mais le véritable point de rupture d’Augie ne se produit pas dans le monde de La cité des astéroïdes, mais dans le vide en noir et blanc de la mise en scène méta, quand il sort complètement de lui-même et demande au metteur en scène : « Est-ce que je fais bien ? » C’est la chose la plus vulnérable qu’il pouvait dire, pas seulement à propos de la performance, mais à propos de tout le monde. À propos du deuil. À propos de la parentalité. À propos du simplement exister. Et d’une manière indirecte, ce moment unique —simple, direct, déchirant—consolide Augie comme l’un des personnages les plus douloureusement réels d’Anderson.

Francis Whitman (Owen Wilson) est le genre d’homme qui donne à ses frères des itinéraires plastifiés pour leur propre guérison émotionnelle, comme si un emploi du temps serré et quelques temples sacrés allaient réparer comme par magie tout ce qui est brisé entre eux. Après avoir failli mourir dans un accident de moto, il rassemble son frère dont il est séparé Il est à la recherche d’un « voyage spirituel » à travers l’Inde, mais son idée de l’illumination est moins une question de découverte de soi que de visites de temples programmées avec précision et de plans de voyage plastifiés. « Je veux que nous soyons complètement ouverts l’un envers l’autre », déclare-t-il, avant de dicter exactement ce qu’ils devraient ressentir et ce qu’ils devraient dire.

Son visage, à moitié couvert de bandages, est une métaphore visuelle parfaite des blessures qu’il refuse de reconnaître. Mais sous l’optimisme forcé et le leadership étouffant, Francis se noie dans un traumatisme non résolu, hanté par un père qui ne lui a laissé que des bagages assortis et une mère qui les a complètement abandonnés. Son point de rupture survient un moment aussi ridicule que brut : debout au sommet d’une colline, hurlant : « Allons boire un verre et en discuter ! » comme si la guérison pouvait être programmée comme un arrêt au stand. Ce n’est que lorsqu’il lâche enfin prise, littéralement en laissant tomber les valises de son père dans les derniers instants du film, qu’il commence à comprendre que certains bagages sont trop lourds pour être portés éternellement.

Francis ne trouvera peut-être jamais l’éveil spirituel qu’il recherchait, mais dans cet abandon silencieux, il incarne l’un des thèmes les plus persistants d’Anderson - l’illusion de contrôle face au deuil - et s’affirme comme une figure centrale dans l’héritage d’Anderson de personnages qui masquent de profondes blessures émotionnelles avec des extérieurs soigneusement sélectionnés.

Demandez à n’importe qui ayant séjourné au Grand Budapest Hotel et il vous dira la même chose : M. Gustave (Ralph Fiennes) était l’hôtel. Comme beaucoup des meilleurs personnages d’Anderson, il est à la fois une figure de contrôle et un homme complètement perdu dans ses profondeurs, accroché à une version du monde qui n’existe plus. Il agit avec un charme impeccable et une étiquette rigide, convaincu que la poésie, le parfum et les manières parfaites peuvent retenir les marées de la guerre et de la trahison. Mais sous l’extérieur soigneusement organisé se trouve quelque chose de plus profond : un homme terrifié par l’insignifiance, désespéré de préserver la beauté dans un monde qui semble déterminé à l’effacer.

Il s’inscrit parfaitement dans la lignée d’hommes compliqués d’Anderson, de l’auto-mythologie de Royal Tenenbaum à la grandiosité délirante de Steve Zissou - des personnages qui mettent en scène leur propre importance alors même que leurs identités soigneusement construites commencent à s’effondrer. Qu’est-ce qui rend Gustave inconscient ? Ce qui est inoubliable, ce n’est pas seulement son raffinement, mais aussi son défi, la tragédie silencieuse de quelqu’un qui refuse d’accepter que les règles ont changé. Et pourtant, à travers le souvenir de Zero (Tony Revolori), il persiste, un écho de la grandeur perdue, aussi fragile et éphémère que l’hôtel lui-même.

Personne ne pouvait créer un personnage comme Arthur Howitzer Jr. (Bill Murray), mais Wes Anderson. C’est un homme d’une autorité tranquille, d’une profonde sentimentalité et d’un dévouement inébranlable à un monde qui s’en va. Howitzer est une figure qui maintient le chaos ensemble avec une touche ferme mais douce. Il applique une politique hilarante et stricte interdisant les pleurs, mais il est le premier à voir l’humanité dans les histoires que ses auteurs lui racontent, façonnant leurs excentricités tentaculaires en quelque chose de raffiné.

Derrière son pragmatisme bourru se cache quelque chose de profondément sentimental : c’est un rédacteur en chef qui croit vraiment à la beauté de la narration, même lorsque le journal lui-même s’efface dans la mémoire. La performance de Bill Murray est ici sa meilleure dans tous les films d’Anderson (il a joué dans dix films), une leçon magistrale de chaleur discrète et d’humour pince-sans-rire, incarnant il incarne le rédacteur en chef fatigué mais dévoué avec un charme naturel. Avec un simple sourcil levé, un conseil concis (« Essayez simplement de faire en sorte que cela donne l’impression que vous l’avez écrit ainsi volontairement » ou un regard calme et entendu, il donne à Howitzer la présence bourrue mais profondément sentimentale qui lui donne l’impression d’être l’âme de la salle de rédaction.

Il y a une certaine forme de tristesse qui traverse les films de Wes Anderson — une mélancolie profonde et tacite sous la symétrie et les palettes pastel — et aucun personnage ne l’incarne mieux que Richie Tenenbaum (Luke Wilson). Parmi le panthéon d’Anderson composé de génies émotionnellement retardés, de visionnaires égarés et d’âmes perdues, Richie se distingue comme étant peut-être l’exemple le plus pur d’un chagrin d’amour silencieux et inébranlable.

Richie exprime à peine sa douleur à haute voix, la portant plutôt dans sa posture voûtée, ses lunettes de soleil constantes, ses demi-sourires résignés. C’est un homme qui avait autrefois sa place dans le monde - gracieux, adoré, talentueux sans effort - mais qui s’en éloigne maintenant, défait par un amour qu’il ne pourra jamais pleinement avoir et par une famille avec laquelle il ne sait pas comment renouer.

Ce qui fait de Richie l’une des plus grandes créations d’Anderson n’est pas seulement sa tristesse, mais aussi sa tendresse sous-jacente ; il a le cœur le plus doux de toutes les figures tragiques d’Anderson, et tandis que d’autres sombrent dans le narcissisme ou l’auto-indulgence, la douleur de Richie est privée, contenue et profondément humaine. Dans un monde de personnages à la poursuite d’un potentiel perdu, il est celui qui semble savoir, au fond, que celui-ci a déjà disparu - et pourtant, d’une manière ou d’une autre, il conserve encore le plus petit espoir qu’il reste quelque chose de beau.

Il y a une énergie inébranlable chez M. Fox (George Clooney) qui fait de lui l’un des personnages les plus fascinants de Wes Anderson : un voyou pris entre l’animal sauvage qu’il est né pour être et l’homme de famille domestiqué qu’il essaie de devenir. Il est, au fond, une créature impulsive, toujours à la recherche du prochain frisson, qu’il s’agisse de voler des poulets ou de déjouer les fermiers, même si les conséquences s’accumulent autour de lui.

Ce qui le rend si fascinant n’est pas seulement son charme ou son intelligence, mais l’insécurité sous-jacente qui l’anime ; il aspire à être exceptionnel, à être reconnu, à être plus qu’un simple renard qui se fraye un chemin dans une existence ordinaire. Et pourtant, sous la bravade, il y a une maladie de conscience de soi—il sait, au fond de lui-même, que son imprudence met tout ce qu’il aime en danger, que son besoin de faire ses preuves est autant un défaut qu’un don.

Dans un monde d’images en stop-motion soigneusement agencées, il est une explosion de chaos, une contradiction, un personnage dont les triomphes ont toujours un prix. Et pourtant, comme toutes les meilleures créations d’Anderson, il est impossible de ne pas l’encourager, car peu importe le nombre d’erreurs qu’il commet, peu importe combien il perd, il ne cesse jamais de viser quelque chose de plus grand, même s’il ne s’agit que d’un dernier braquage parfaitement exécuté.

C’est presque absurdement drôle que le même acteur qui a joué Walter White, le caïd impitoyable et calculateur deBreaking Bad, peut également offrir une performance profondément sincère et convaincante en tant qu’un chien errant grincheux dans un film en stop-motion de Wes Anderson. Il y a une cruité chez Chief (Bryan Cranston) qui le distingue des autres chiens dans L’île aux chiens—un chien errant et courageux qui porte son indépendance comme une armure, convaincu qu’il est mieux seul.

Contrairement aux animaux domestiques choyés exilés à Trash Island, Chief n’a jamais connu l’affection humaine et n’apprécie pas l’idée même de servitude. Mais ce qui fait de lui l’un des meilleurs personnages de Wes Anderson n’est pas seulement sa ténacité ou son mordant, c’est le démantèlement lent et réticent de ses défenses. Sous son apparence bourrue, il y a un profond désir d’appartenance, une lueur d’incertitude qui grandit à mesure qu’il se lie à Atari, le garçon qui voit au-delà de ses grognements quelque chose de plus doux en dessous.

Sa transformation, d’un solitaire cynique à un protecteur loyal, est l’un des arcs les plus émouvants d’Anderson, prouvant que même les créatures les plus endurcies peuvent trouver leur place dans le monde. Et dans un film rempli de beauté symétrique et de précision, Chief reste une glorieuse contradiction : une créature d’instinct aux prises avec le poids inconnu de l’amour.

Il peut être difficile d’accepter que Wes Anderson, un cinéaste connu pour ses adultes profondément blessés (des hommes accablés par l’amour perdu, des pères noyés dans le regret), ait créé ses personnages les plus touchants en deux enfants de 12 ans qui s’enfuient de chez eux avec un chat, une valise et un tourne-disque. Mais c’est vrai. Sam et Suzy (Jared Gilman et Kara Hayward) dans Royaume du lever de la lune ce ne sont pas seulement des enfants qui jouent à la maison ; ce sont deux âmes qui, malgré leur âge, se comprennent d’une manière que les adultes qui les entourent n’auraient jamais pu faire.

Sam, orphelin et paria parmi ses pairs, est pragmatique et farouchement loyal, tandis que Suzy, avec son regard perçant et ses livres volés à la bibliothèque, porte la rage silencieuse de quelqu’un qui se sent fondamentalement invisible. Ensemble, ils créent un monde qui leur est propre, une île refuge secrète où ils peuvent exister sans jugement. Mais ce qui fait d’eux les meilleurs personnages d’Anderson, ce n’est pas seulement leur aventure rebelle, c’est le sérieux de leur amour, la façon dont ils abordent la vie avec la sincérité que seuls les enfants peuvent avoir.

Dans un monde d’adultes émotionnellement retardés, Sam et Suzy sont les seuls assez courageux pour exiger quelque chose de plus : une vie où ils sont compris, où ils ont leur place. Et c’est ce qui fait de leur histoire, malgré sa fantaisie pastel, la plus profondément humaine qu’Anderson ait jamais racontée.