Les nominés pour le prix du meilleur film de l’année, classés par probabilité de victoire

Je ne sais pas quel niveau de dévastation émotionnelle et de poids historique doit atteindre les électeurs des Oscars. Je suis toujours là pour gagner le prix du meilleur film, mais c’est un long tir probable. Le film ——un drame captivant et déchirant qui est déjà entrée dans l’histoire en étant le premier film brésilien nominé pour le meilleur film —suit Eunice Paiva (Fernanda Torres) alors qu’elle se bat pour la vérité après la disparition de son mari pendant la dictature militaire du Brésil. La performance puissante de Torres lui a même valu un Golden Globe, mais l’Académie penche toujours vers les films de prestige en langue anglaise, ce qui rend une victoire improbable. Oui, Parasite a brisé cette barrière, mais ce était un moment culturel rare et indéniable. À moins que les électeurs ne se rallient à son message de puissance brute et de droits de l’homme, Je suis toujours là restera probablement un nominé célèbre plutôt qu’un gagnant du prix du meilleur film.

Écoutez, je n’ai aucune idée des galaxies qui doivent être conquises, du jus de ver qui doit être ingéré ou des prophéties qui doivent être accomplies pour que les votants des Oscars respectent correctement la masterclass en matière de création de monde que le réalisateur Denis Villeneuve délivre ici, mais pour l’instant, ce n’est pas le cas. Dune : Deuxième partie est l’un des films les plus joliment tournés de cette décennie, en particulier le combat de gladiateurs monochrome mettant en scène un Feyd-Rautha Harkonnen (Austin Butler), chauve et sanguinaire, qui cherche à montrer sa domination. Le film sur Paul Atréides (Timothée Chalamet) qui s’attire les bonnes grâces des Fremen avant d’endosser pleinement son rôle de Lisan al Gaib place les luttes humaines avec l’amour, la succession familiale et le destin à une échelle intergalactique sans pour autant nuire à l’authenticité.

Il sera vraiment difficile pour un film d’obtenir l’Oscar du meilleur film alors que les votants des Oscars ne pensent même pas que le réalisateur qui l’a réalisé avait mérité un Oscar. Meilleur réalisateur hoche la tête. C’est vrai que CODA a réalisé cet exploit il y a seulement quelques années, il y a donc il y a encore de l’espoir. Mais à moins qu’une tempête de votes ne vienne portée par Shai-Hulud, la suite subira le même sort que son prédécesseur qui est parti sans avoir remporté l’Oscar du meilleur film.

Méchant c’est amusant. Méchant fait beaucoup d’argent. Méchant a inspiré des gens qui ne savaient pas chanter à essayer d’atteindre des notes aiguës que seules certaines cordes vocales dans l’existence humaine peuvent atteindre. Cela étant dit, Méchant ne gagne pas un Oscar du meilleur film. L adaptation théâtrale de la légendaire pièce de Broadway est une exploration intelligente et sincère de la façon dont deux sorcières très différentes — Elphaba (Cynthia Erivo), née avec la peau verte, et Glinda (Ariana Grande), la « bonne sorcière » socialement adepte de Le Magicien d’Oz—devenir des amis improbables avant que le destin ne dirige leurs chemins dans des directions opposées.

Malheureusement, Méchant pourrait souffrir de ce qui se passait Barbie de retour de l’Oscar d’or, puisque l’Académie récompense généralement les films avec des examens plus dramatiques de la condition humaine (Oppenheimer, Clair de lune, Parasite) et moins de chants en chant. Cela pourrait expliquer pourquoi aucune comédie musicale n’a remporte la plus grande prime aux Oscars depuis Chicago l’a fait il y a 22 ans. Peut-être que le charme indéniable et l’alchimie à l’écran de Grande et Erivo suffiront à convaincre les électeurs de voter pour ce film à la fois amusant et complexe qui est devenu le visage du cinéma de 2024. Mais n’y comptez pas.

Si c’était il y a un mois, quand Emilia Pérez reçu le la plupart des nominations aux Oscars de n’importe quel film quelques semaines après avoir remporté le prix du meilleur film musical ou comédie aux Golden Globes, le film musical criminel réalisé par Jacques Audiard aurait été le principal candidat pour le prix du meilleur film aux Oscars. Malheureusement, Karla Sofía Gascón, qui joue le baron de la drogue titré qui se fait opérer pour changer de genre, a provoqué une tempête de controverses qui a éclipsé toutes les réalisations du film. Son tweets passés racistes et désobligeants Les musulmans et George Floyd sont devenus tellement liés à l’identité du film que l’actrice n’a fait partie d’aucune campagne pour les Oscars. Pendant ce temps, de retour à Cannes, le réalisateur du film fait référence à l’espagnol comme « la langue des pays en développement, des pays modestes, des pauvres et des migrants », et le film lui-même avait été tourné en dérision par les critiques comme étant ouvertement raciste et transphobe. Et c’est dommage car il y a des aspects qui méritent d’être appréciés.

Zoe Saldana nous offre un portrait qui définira sa carrière en tant que Rita Mora Castro, l’avocate qui aide Emilia à obtenir l’opération chirurgicale qu’elle désire après des années de dysphorie de genre. Le film éblouit par ses numéros musicaux et culmine dans une fin tragique qui souligne son regard sans fard sur la difficulté d’échapper à son histoire. Mais ces éléments semblent destinés à être éclipsés par des problèmes présents dans le film et autour de lui.

La substance est un drame psychologique captivant qui suit le personnage de Demi Moore alors qu’elle navigue dans un labyrinthe moral après un événement qui a changé sa vie. La performance brute et changeante de Moore dans le rôle d’Elisabeth Sparkle crépite pratiquement avec le buzz de la saison des récompenses. Mais bien que le film ait déjà remporté le Golden Globe de la meilleure actrice dans une comédie musicale ou une comédie, ainsi que le Critics’ Choice Award de la meilleure actrice et du meilleur scénario, il doit toujours faire face à une rude concurrence dans la course aux Oscars.

Dans une scène particulièrement obsédante, Sparkle arpente une chambre de motel sombre, son reflet tremblant dans un miroir fissuré alors qu’elle se débat avec un choix qui pourrait bouleverser sa vie. Même avec des scènes captivantes comme celles-ci, il n’y a aucune garantie de victoire pour le prix du meilleur film lorsque vous êtes face à un Aca un film qui pourrait passer d’une épopée historique de grande envergure à un film indépendant et tendre qui plaira au public. Il y a néanmoins une chance que ce film puisse tirer parti de ses éloges critiques, de ses trophées étincelants et de sa performance centrale acclamée et sans faille pour transformer ce rêve d’Oscar en une réalité dorée.

Les Nickel BoysL’adaptation cinématographique du puissant roman de Colson Whitehead par RaMell Ross est devenue un sérieux prétendant. Le potentiel du film à remporter le prix du meilleur film repose en grande partie sur sa cinématographie percutante et primée, qui transmet magistralement l’atmosphère oppressante de l’école Dozier. (C’est vraiment inexplicable (Le câble explique comment un film tourné de cette manière n’est même pas nominé pour la meilleure photographie aux Oscars.) En racontant l’histoire d’Elwood Curtis (Ethan Herisse) et de Jack Turner (Brandon Wilson), deux garçons noirs du Sud Jim Crow dont la vie est irrémédiablement modifiée par leurs expériences dans une école de redressement brutale, Les Nickel Boys capture une authenticité que la plupart des autres nominés pour le meilleur film ne se rapprochent pas.

Sa grandeur repose sur l’équilibre astucieux entre l’authenticité historique et la narration profondément humaine, capturant les réalités brutales des expériences des garçons à l’école sans jamais perdre de vue la résilience qui peut fleurir même dans les coins les plus sombres. Les performances sont imprégnées d’une honnêteté qui donne vie à la prose évocatrice du livre : chaque regard, chaque moment de silence en dit long sur la lutte collective des garçons pour la dignité et la liberté. En entrelaçant le passé et le présent, Les Nickel Boys oblige le public à confronter la façon dont les échos de l’injustice systémique peuvent encore résonner aujourd’hui, offrant en fin une expérience cinématographique qui est à la fois déchirante, empathique et profondément nécessaire. Voyons si l’Académie est prête.

À partir du moment Timothée Chalamet gratte son premier accord dans le rôle de Bob Dylan, on peut pratiquement ressentir l’électricité dans l’air, comme si le film lui-même retenait son souffle. La transformation de Chalamet est si étrange qu’on commence à croire que l’on voit Dylan à son apogée, avec l’esprit agité et l’âme poétique qui ont renversé la musique folk. C’est le genre de performance qui ne mérite pas seulement une nomination aux Oscars ; elle soulève la question : « Comment se fait-il qu’il n’ait pas encore gagné ? » Des scènes comme le célèbre moment où il « devient électrique » sont si parfaitement capturées qu’elles pourraient devenir instantanément des classiques du cinéma, dignes de l’ovation debout que toutes les grandes cérémonies de remise de prix aiment donner.

Parlons maintenant de l’éléphant dans l’auditorium : aucun biopic musical n’a remporté le prix du meilleur film depuis plus de quatre décennies (nous vous regardons, Amadeus). C’est un obstacle assez important pour faire trébucher même les concurrents les plus confiants. Mais quand un film capture l’intensité brute du parcours d’un artiste —montrant le génie faible, le bouleversement culturel et cette voix singulière résonnant dans les couloirs de l’histoire de la musique —il peut bien mettre fin à cette sécheresse. L’Académie adore les performances transformatrices et les histoires sincères, et Un Inconnu Complet a les deux à la pique. Si quelque chose peut faire balancer le vote, c’est la puissante combinaison d’un Chalamet révélateur à son meilleur et d’un film qui touche toutes les bonnes cordes émotionnelles, rappelant à tout le monde pourquoi nous ne pouvons toujours pas arrêter de fredonner ces vieux airs de Dylan.

Conclave, un ballet de suspicion, de foi et d’ambition magnifiquement chorégraphié dans les murs secrets du Vatican, commence par la mort du pape et nous plonge ensuite dans le drame à enjeux élevés d’une élection papale où Ralph Fiennes, dans le rôle du cardinal Thomas Lawrence, découvre des secrets qui menacent l’existence même de l’Église. Le réalisateur Edward Berger met en scène chaque silence et chaque regard avec une précision digne d’un Oscar. Peu de films peuvent parler aussi efficacement de la corruption dans des scènes aussi agréables que les conversations feutrées entre les titans lauréats du Golden Globe Fiennes et Stanley Tucci.

L’accumulation de prix BAFTA, Golden Globe et Critics’ Choice Movie Awards, notamment dans des catégories clés telles que le meilleur film, le meilleur scénario adapté et le meilleur jeu d’acteur, renforce considérablement Conclave’m position pour le meilleur film aux Oscars. C’est ce mélange rare de spectacle cinématographique et de nuance introspective qui pourrait lui valoir une place dans l’histoire des Oscars.

Anora est le genre de film qui surgit de nulle part et qui vous laisse complètement perplexe. Réalisé par Sean Baker, il suit une jeune strip-teaseuse de Brooklyn nommée Ani (jouée par Mikey Madison) qui se retrouve emportée dans une romance éclair avec le fils d’un oligarque russe. Ce qui commence comme une histoire d’amour rapide et sauvage se transforme rapidement en quelque chose de beaucoup plus sombre lorsque sa puissante famille intervient, déterminés à l’effacer de la vie de leur fils. C’est cru, drôle, déchirant et tellement plein de vie qu’on oublie presque qu’on regarde un film : ça semble tellement réel. C’est probablement pour cela qu’il a remporté cette victoire époustouflante aux Critics’ Choice Awards pour le meilleur film, bien qu’il n’ait gagné dans aucune autre catégorie : c’est l’histoire d’un outsider par excellence, à la fois à l’écran et en dehors.

S’il y a une scène qui fait Anora une sérieuse candidature aux Oscars, c’est la confrontation explosive entre Anora et la famille de son mari lorsqu’ils tentent d’annuler leur mariage. C’est le genre de moment qui reste en tête —la tension, l’émotion brute, et Mikey Madison qui livre ce qui pourrait être la performance de sa carrière. Elle ne fait pas que jouer, elle est vie à ce moment-là, passant du désespoir à la fureur à la résilience provocante en l’espace de quelques minutes. La cinématographie garde le temps intime, laissant chaque étincelle d’émotion vous frapper comme un coup de poing. On peut presque sentir les électeurs de l’Académie hocher la tête en signes d’approbation. Si Anora gagne le prix du meilleur film, ce ne sera pas parce qu’il a le plus gros budget ou la campagne la plus accrocheuse, ce sera parce que c’est le genre de film qui vous fait prendre sentir quelque chose, et en fin, c’est ce qui compte vraiment.

Dans la danse complexe de la saison des récompenses, des modèles émergent souvent qui laissent entrevoir une gloire potentielle aux Oscars. Notamment, sept des huit derniers lauréats du prix du meilleur film aux Oscars ont également remporté soit le prix du meilleur film, soit celui du meilleur réalisateur, soit les deux aux Golden Globes. Cette tendance est de bon augure pour Le Brutaliste qui a récemment récolté le Golden Globe du meilleur film drame, et vu Brady Corbet être honoré comme meilleur réalisateur. Cette double reconnaissance amplifie non seulement la visibilité du film mais le positionne également comme un formidable candidat au très convoité Oscar du meilleur film. Au-delà des éloges critiques qu’il a mérités, il s’avère également être exactement le type de film que les électeurs des Oscars adorent.

Centré sur László Tóth, un architecte juif hongrois et survivant de l’Holocauste interprété par Adrien Brody, le film raconte sa quête du rêve américain et le pouvoir transformateur de l’art dans la société d’après-guerre. La durée gargantuesque de 215 minutes du film correspond à la portée épique de l’histoire et la place à une échelle similaire à celle du chef-d’œuvre Oppenheimer, qui a été récompensé pour sa narration ambitieuse et son développement méticuleux des personnages par l’Oscar du meilleur film l’année dernière. Lorsque la nièce de Tóth, Zsófia (Raffey Cassidy), prononce un discours poignant révélant que le centre communautaire Van Buren, l’un des projets les plus importants de László, a été intentionnellement conçu pour refléter les camps de concentration qui ont autrefois emprisonné leur famille, l’Oscar était pratiquement gagné.