Les 23 meilleures et plus mémorables chansons de Disney, classées

La chanson joyeuse de Larry Morey et Frank Churchill, qui parle de trouver la joie dans les tâches les plus banales, est assez simple, avec seulement neuf lignes, mais incroyablement entraînante. La voix gazouillante et bébé d’Adriana Caselotti convient parfaitement à ce numéro à l’ancienne, de style opérette, et à toute la séquence qui met en scène la chanteuse aux grands yeux D’adorables créatures de la forêt l’aident. Les écureuils balayent la poussière avec leur queue et les ratons laveurs lavent le linge sale dans un point d’eau voisin à chaque battement d’ailes. Difficile de ne pas être séduit par cette petite chanson, et vous vous surprendrez à la fredonner la prochaine fois que vous ferez votre ménage de printemps.

Les empreintes de Lin-Manuel Miranda sont omniprésentes dans les bandes originales modernes de Disney. Il est passé maître dans l’art de créer des chansons d’oreille intelligentes, rapides et mêlant les genres. Les plus grandes à émerger Enchantement sont « We Don’t Talk About Bruno » et « Surface Pressure », où il mélange le style classique de Broadway avec des genres salsa et reggaeton plus puissants. « The Family Madrigal » n’a peut-être pas atteint le même niveau d’infamie dans la culture pop que les autres chansons de ce film, mais c’est une manière intelligente et économique de Présentez la famille Madrigal et ses pouvoirs. La voix pétillante de Stephanie Beatriz dans le rôle de Mirabel s’adapte parfaitement au rythme entraînant de la chanson, tandis que les instruments folkloriques colombiens tels que l’accordéon, la caja vallenata et la guacharaca correspondent à l’énergie colorée de la ville magique où vivent les Madrigaux.

Le mélange entraînant de swing big band et de refrains gospel de Randy Newman capture parfaitement l’âme vibrante du décor de la Nouvelle-Orléans. La fougueuse Jennifer Lewis dirige « Dig a Little Deeper » dans le rôle de Mama Odie, soutenue par l’enthousiaste Pinnacle Gospel Choir. Les rythmes cuivrés de la chanson aident Tiana à se lâcher et Naveen à réaliser qu’il est amoureux d’elle. Les leçons que Mama Odie transmet Les paroles sont sages et fondées : peu importe ce que vous avez ou d’où vous venez, cela ne définit pas qui vous êtes. Le véritable épanouissement ne vient pas de la richesse matérielle, du statut social ou des apparences extérieures, mais de la compréhension de ce que vous voulez vraiment à l’intérieur. La chanson monte en puissance avec la puissante ceinture d’Anika Noni Rose et les cris émouvants du refrain flamant rose de Mama Odie.

La mélodie onirique de « I See the Light » commence par une douce guitare. La composition de Glenn Slater et Alan Menken est assez simple, permettant aux visuels scintillants d’occuper le devant de la scène. La chanson se déroule pendant la cérémonie d’illumination que Raiponce rêve de visiter après l’avoir observée depuis sa tour pendant 18 ans. Flynn et Raiponce flottent sur une gondole, les entourant Animés par plus de 45 000 lanternes lumineuses flottant dans les airs, parsemant le ciel et se reflétant sur l’eau qui les entoure. Les personnages chantent les couplets séparément dans leur tête avant que leurs émotions n’explosent, puis ils harmonisent le refrain à voix haute, poussés par la prise de conscience qu’ils sont amoureux. C’est une façon unique et touchante de présenter une chanson d’amour Disney.

Les paroles enjouées d’Howard Ashman et la chanson rapide, syncopée et vaudevillesque d’Alan Menken constituaient le terrain de jeu musical idéal pour Robin Williams, qui pouvait y exprimer ses imitations loufoques et ses voix excentriques qui faisaient sa renommée. Une trompette gazouille entre des paroles intelligentes, des images et des sons si remplis d’hilarité qu’on a du mal à s’arrêter pour reprendre son souffle. Robin Williams était si doué en improvisation qu’il avait presque toute une journée F material. L animation est tout aussi déjantée que sa performance vocale, où Genie se transforme en d’innombrables créatures : d’un sifflet de train à un maître d’hôtel, un entraîneur de boxe, un lapin et un dragon. Ce spectacle à la mode Broadway se termine par une kick line sous les projecteurs avec des singes, des éléphants et des danseuses en hauts courts et pantalons sarouels. « Friend Like Me » est une vitrine éclatante pour l ‘un de nos plus grands talents comiques, le grand Robin Williams.

Les auteurs-compositeurs Frank Churchill et Ned Washington sont responsables de traumatismes infantiles partout dans le monde avec « Baby Mine », qui se déroule lorsque la mère de Dumbo est emprisonnée comme un « éléphant fou » pour avoir farouchement protégé son fils contre ses tyrans. Elle passe sa trompe à travers les barreaux pour bercer Dumbo au son de la douce mélodie endormie, accompagnée de cordes envoûtantes. Betty Noyes a ce ton riche et rond nd dans le chant vintage, et il transmet la force maternelle de Mme Jumbo. Les images de tous les animaux — zèbres, tigres, singes, et même les hippopotames sous-marins — nichés dans l’amour de leurs mères, à l’exception du pauvre Dumbo, sur le contexte apaisant de l’orchestre de la chanson, sont absolument déchirantes. « Baby Mine » est le genre de chanson qui inspire le rêve d’être consolée et soignée par une figure parentale aimante.

Jack Lawrence et Sammy Fain créent un solo devenu duo avec une qualité étourdissante et mystérieuse qui complète parfaitement l’histoire de La Belle au bois dormant. Mary Costa a une voix si élégante et opératique, avec des tons riches qui la font paraître bien plus mature qu’une fille de 16 ans. Elle est bientôt rejointe par la voix forte et belle du prince Philippe, qui apparaît de manière inattendue dans la forêt. La romance se déroule rapidement, tourbillonnant dans les bois, entourée de magnifiques visuels d’inspiration médiévale, de style gothique-Renaissance. L’orchestration entraînante et le grand ensemble choral ajoutent au mysticisme du vieux monde. Les paroles — qui évoquent le fait de connaître quelqu’un avant de le connaître vraiment, de le voir dans ses rêves — ajoutent une touche d’excitation mystérieuse et de destin mystique à leur romance.

Alan Menken et Stephen Schwartz ont créé l’une des chansons les plus sombres de Disney. Il est difficile d’imaginer Disney prendre à nouveau ce type de risque créatif. « Hellfire » est chanté par un prêtre corrompu consumé par le désir pour la femme rom Esmeralda. Tony Jay, à la voix grave, joue le rôle du déshonorant le Frollo, qui se présente comme un homme vertueux, même s’il a tué la mère de Quasimodo et presque tué Quasimodo. Un vrai catholique les aurait aidés. Aujourd’hui, Disney n’oserait jamais montrer que les figures d’autorité, surtout religieuses, peuvent souvent avoir erreur et être hypocrites tique, pour ce que ce n’est pas tout fait maléfique. C’est l’une des chansons méchantes les plus provocatrices, dans la quelle Frollo avoue essentiellement son excitation. Il chante qu’il est fasciné par les yeux brûlants et les cheveux noir de jais d’Esmeralda — un désir qui brûle et menace de le faire tomber vers le péché. « Hellfire » aussi o a une qualité effrayante dans son utilisation du latin et le chœur religieux intense qui se plane sur Frollo en jugement, vêtu de rouge avec des visages comme des trous noirs vides. C’est une chanson obsédante d’une grandeur opératique, avec des notes qui s’enflamment et s’estompent comme les flammes dansant devant lui.

Chanté avec une chaleur soyeuse et un vibrato chatoyant et éthéré par Ilene Woods dans le rôle de Cendrillon, « A Dream Is A Wish Your Heart Makes » est doux et apaisant, tout en portant un courant sous-jacent de détermination tranquille. Elle chante pour ses fidèles compagnons, d’adorables volées d’oiseaux et de souris, qui portent les minuscules tenues qu’elle a confectionnées avec amour pour eux. Ils se joignent à elle pendant une pause de la chanson qui est plus pl Pleine de joie et de joie, elle se prépare pour une nouvelle journée de corvées, tout en restant positive, convaincue que ses rêves se réaliseront. « Un rêve est un vœu que votre cœur réalise » est devenu un hymne marketing pour le studio, utilisé dans diverses publicités pour évoquer la nostalgie, la magie et la promesse que les rêves se réalisent vraiment, les parcs à thème Disney étant le lieu où cette magie peut opérer.

La voix riche de Mark Kealiʻi Hoʻomalu et la joyeuse chorale des enfants de l’école Kamehameha se réunissent pour une chanson aussi douce et légère qu’une journée d’été. « Hawaiian Roller Coaster Ride » se déroule lors d’un moment touchant de complicité familiale où Lilo, Nani et David font du surf et glissent sur les vagues avec aisance. Stitch a été vilain, alors il se sent un peu gêné de profiter de la journée avec eux, mais il est Le petit garçon commence à s’habituer à la sensation d’avoir une famille. On assiste à l’adorable progression du jeune amateur de sensations fortes qui finit lui aussi par surfer sur les vagues. L’instrumentation de la chanson, composée d’ukulélé, de guitare fingerstyle hawaïenne traditionnelle et de steel guitar, évoque les vagues de l’océan et le ciel ouvert, lui conférant une ambiance détendue et balnéaire. L’animation et la chanson elle-même rendent hommage au magnifique décor hawaïen du film.

« Let’s get down to business, to defeat the Huns », chante Donny Osmond de sa voix parfaitement nette. Le morceau entraînant « I’ll Make a Man Out of You » de Matthew Wilder et David Zippel est la chanson entraînante d’un montage d’entraînement. Il commence de manière comique lorsque nous voyons Mulan et ses amis maladroits tenter de devenir le soldat chinois idéal. Le refrain accrocheur utilise des métaphores évocatrices de la nature pour le type de force et Le calme que Mulan doit retrouver, et la ponctuation grave « Sois un homme ! » à la fin de chaque ligne ajoute à l’excitation. Lorsque Donny Osmond entonne « Le temps s’accélère jusqu’à ce que les Huns arrivent », on ressent une bouffée d’urgence palpitante et on déborde de courage. Le refrain final se joue sans instrumentation, les voix viriles des soldats résonnant, vous permettant de vous concentrer sur Mulan et ses amis qui déchirent.

La voix de Brad Kane possède une excitation et une haleine qui vous captivent tandis qu’il emmène Jasmine sur un tapis volant. Il parle avec enthousiasme et sérieux lorsqu’il décrit le monde brillant, chatoyant et splendide que Jasmine n’a jamais vu et qu’il a hâte de lui faire découvrir. Lea Salonga, une légende de Broadway à part entière, incarne Jasmine avec une innocence angélique. Leurs voix se rejoignent En parfaite harmonie pour ce duo envoûtant. « A Whole New World » est l’une des chansons d’amour les plus romantiques de Disney, avec une mélodie qui flotte et glisse comme le tapis volant lui-même. Écrite par Alan Menken et Tim Rice, l’orchestration possède des cordes luxuriantes qui propulsent la séquence animée aventureuse où ils s’envolent à travers les nuages, passent devant le Sphinx et atterrissent près d’un groupe de chevaux.

S’ouvrant sur une piste de batterie pulsée, Des étrangers comme moi évoque les roues qui tournent dans l’esprit de Tarzan alors qu’il en apprend davantage sur ce qui se trouve au-delà de la jungle. Le montage est magnifiquement animé, avec des illustrations à l’encre à l’ancienne que Tarzan regarde à travers une lanterne magique. Il voit la ville de Londres, un château géant, le Sphinx et même l’espace pour la première fois. Ce flot d’informations alimente le rythme urgent de la chanson.

Les cinéastes ont conçu l’ensemble de la séquence animée comme une réponse aux paroles, tandis que Tarzan observe Jane (« Chaque geste, chaque mouvement qu’elle fait / Me fait me sentir comme jamais auparavant ») ou montre une partie de la forêt tropicale remplie de perroquets (« Viens avec moi maintenant pour voir mon monde / Où est le « La beauté au-delà de vos rêves »). La voix brillante de Phil Collins capture l’émerveillement de Tarzan, en particulier dans le refrain endiablé, où Tarzan exprime son désir d’en apprendre davantage sur des inconnus comme lui. On ressent sa soif du vaste monde dans les rythmes de tambour tribaux et percutants de la chanson.

L’histoire du héros grec antique Hercule possède un style musical unique, avec le parolier David Zippel et le compositeur Alan Menken mêlant doo-wop, Motown et gospel soul. Les muses servent de chœur grec littéral, commentant l’action avec leur perspective impertinente. Dans « I Won’t Say I’m in Love », Susan Egan, la voix de velours et sarcastique de Megara, se démarque des autres héroïnes de Disney, qui Elle chante souvent des airs enjoués sur ses rêves d’un prince. Au lieu de cela, Megara résiste à ses sentiments, car elle a été trop souvent brûlée, créant ainsi une juxtaposition comique avec les Muses, qui insistent avec insolence sur le fait qu’elle est amoureuse. Elles la taquinent avec « Check the grin, you’re in love ». C’est une chanson enjouée et séduisante qui célèbre une princesse Disney non conventionnelle et des choix musicaux.

Depuis leur introduction dans La Petite SirèneLes chansons « I Want » de style Broadway sont devenues une marque de fabrique des films de princesses Disney. Ce sont des solos passionnés qui révèlent ce que chaque héroïne désire le plus au monde. Tout ce que son cœur désire devient le moteur émotionnel qui fait avancer l’histoire. Dans « How Far I’ll Go », composée par Lin-Manuel Miranda, Moana est déchirée entre son rêve d’explorer ce qui est Au-delà de son île isolée et de son devoir envers sa famille. Elle est véritablement déchirée, se demandant même si elle a tort de désirer ce qui se trouve au-delà de l’horizon. La voix pure et sincère d’Auli’i Cravalho capture toute la mélancolie et l’incertitude de la croissance. La mélodie monte et descend doucement comme les marées de l’océan, reflétant les tensions du conflit intérieur de Vaiana.

Jerry Orbach, figure emblématique de Broadway, dirige ce spectacle époustouflant, avec une musique d’Alan Menken et des paroles d’Howard Ashman. Le suave chandelier Lumière utilise ce numéro pour attirer Belle hors de sa chambre et montrer que le château enchanté est plus convivial et excitant qu’effrayant et déprimant. « Be Our Guest » a des paroles intelligentes et rapides, chantées dans un style classique de « patter song », qui explose ensuite dans un final animé de French Can Can. Les objets du château vivant veulent juste servir Rendre quelqu’un heureux à nouveau, en offrant à Belle des repas élaborés et des divertissements éblouissants. Tout est dans l’assiette pour Belle, de la soupe du jour aux hors-d’œuvre chauds, en passant par le ragoût de bœuf, le soufflé au fromage et, bien sûr, les mets gris. Ce qui est tout aussi excitant dans ce numéro que sa musique enivrante, c’est l’animation, avec des cuillères nageant dans des bols à punch comme un numéro de Busby Berkeley, des projecteurs prismatiques, des gâteaux somptueux aux couleurs vives, un lustre lumineux et des couverts dansants.

Phil Collins a frappé un grand coup avec l’ensemble Tarzan Bande sonore. Sa voix terreuse, ses instruments imprégnés de percussions et ses paroles sincères formaient le mélange parfait pour cette histoire de jungle. Plutôt qu’une comédie musicale Disney traditionnelle, Phil Collins agit comme un narrateur omniprésent, commentant l’action ou exprimant les pensées du personnage. « You’ll Be In My Heart » a remporté à juste titre l’Oscar de la meilleure chanson originale. Écrite à l’origine comme une berceuse pour sa propre fille, la chanson commence tendrement, avec Phil Collins chuchotant presque doucement sur des marimbas doux.

Ses paroles d’amour véritable et de dévotion sont émouvantes, en particulier dans la scène où Kala la chante à un bébé Tarzan qui, bien qu’appartenant à une espèce différente, vit un lien où l’amour et l’attention ne connaissent pas de limites. La chanson finit par se transformer en un rythme entraînant, se dirigeant vers un Un pont qui permet à l’enfant de voler librement tout seul : « Quand le destin t’appelle / Tu dois être fort / Je ne serai peut-être pas avec toi / Mais tu dois t’accrocher. » Cette chanson est touchante pour tous ceux qui ont déjà aimé quelqu’un et l’ont vu grandir, quel que soit le type de relation.

Les notes d’ouverture de « Under the Sea », un solo de calypso, vous mettent immédiatement en haleine, et Samuel E. Wright vous offre une performance sous-marine entraînante. Sa voix tonitruante et son énergie vive sont parfaites pour ce crustacé trop dramatique et sa mission de convaincre Ariel que vivre sous la mer, c’est « vivre des bulles » sans soucis. « Under the Sea » met en valeur le montage arc-en-ciel de la vie marine qui remplit le monde d’Ariel. Poissons, dauphins et récifs coralliens. La scène associe astucieusement les instruments à diverses créatures et animations : des harpes font écho au tourbillonnement des bancs de poissons, des coquillages imitent des steelpans et deux pieuvres entrelacent leurs pattes comme des lignes de basse. Avec son rythme caribéen contagieux, la chanson de Howard Ashman et Alan Menken est un véritable tube, impossible à ne pas aimer, ce qui lui a valu l’Oscar de la meilleure chanson originale en 1990.

« Vous pensez que les seules personnes qui sont des personnes sont celles qui vous ressemblent et pensent comme vous, mais si vous marchez sur les traces d’un étranger, vous apprendrez des choses que vous n’avez jamais sues, que vous n’avez jamais sues. »

Dans ce monde de plus en plus polarisé, ce message n’a jamais été aussi pertinent. Pocahontas n’est pas immédiatement séduite par John Smith ; au contraire, elle condamne toute sa culture, qui privilégie l’or et la haine plutôt que l’acceptation et la beauté de la nature. Les paroles de Stephen Schwartz brossent de magnifiques tableaux de la nature sauvage américaine, se demandant pourquoi les hommes blancs qui ont envahi ces terres ne peuvent pas apprécier le monde qui les entoure, du haut de leur sourire. Des lynx roux aux baies sucrées, en passant par les arbres qui s’étendent vers le ciel, si seulement nous les laissions pousser. La musique d’Alan Menken est enivrante, portée par le chant passionné de Judy Kuhn. Plus que les paroles profondes, ce sont les visuels qui rendent ce numéro musical si inoubliable, en particulier John Smith et Pocahontas dansant dans un vent aux couleurs pastel. Il n’est pas surprenant que « Colors of the Wind » ait remporté l’Oscar de la meilleure chanson originale.

Écrite par Leigh Harline et Ned Washington, « When You Wish Upon a Star » est devenue l’emblème de Disney, jouant généralement sur le logo du château qui ouvre chaque film. Cette ballade éthérée est interprétée par Cliff Edwards dans le rôle de Jiminy Cricket, dont la voix à la fois résonnante et décalée donne l’impression de raconter une histoire au coin d’un feu crépitant. « When You Wish Upon a Star / Peu importe qui vous êtes / Tout ce que vous avez à cœur « désirs/Viendra à toi », chante-t-il tendrement au générique d’ouverture. La douce mélodie vous enveloppe dans une chaleureuse étreinte de possibilités. On se moque souvent des adultes de Disney, mais l’une des raisons pour lesquelles nous nous accrochons aux films Disney longtemps après avoir grandi est peut-être qu’ils offrent de l’espoir dans un monde de plus en plus sombre. Cette chanson ambitieuse nous rappelle qu’il y a plus dans la vie que l’ordinaire, si seulement nous osons l’imaginer.

Dans le rôle de Mme Potts, la voix anglaise chaleureuse et joyeuse d’Angela Lansbury ajoute une touche d’élégance à cette puissante ballade d’amour, soutenue par un orchestre de cordes somptueux. Les paroles ne sont pas du pur romantisme des anciennes histoires d’amour Disney ; il n’y a pas de coup de foudre ici. Au lieu de cela, Mme Potts réfléchit doucement à la façon dont le véritable amour peut prendre du temps à s’épanouir, et à la façon dont les relations nécessitent parfois des changements, l’admission de ses défauts et le travail acharné pour mettre de côté ses vices et ses pires qualités. C’est une vision étonnamment mature d’une chanson d’amour Disney. L’animation qui l’accompagne est l’une des séquences les plus exquises de l’histoire de Disney : la robe dorée de Belle glisse délicatement sur le sol tandis qu’elle et la Bête dansent dans la grande salle de bal, la caméra tournoyant pour révéler le lustre étincelant et le plafond michel-angéen de chérubins peints au-dessus d’eux. Le fait qu’Howard Ashman ait écrit cette chanson alors qu’il mourait des complications du sida la rend d’autant plus poignante.

Avant La Petite Sirène a donné le coup d’envoi de la Renaissance Disney (une période de narration plus sophistiquée et de succès au box-office). Les chansons des princesses étaient principalement axées sur leurs princes charmants. Elles avaient très peu d’aspirations en dehors du rêve ou du souhait de leur prince. Mais l’arrivée de l’équipe de compositeurs Alan Menken et Howard Ashman, qui avaient travaillé sur le spectacle off-Broadway La Petite Boutique des Horreurs, a aidé à développer une princesse Disney qui avait de plus ambitions. Ariel voulait voir le monde humain, et elle l’exprimait dans un solo de style Broadway appelé la chanson « I Want », où le protagoniste chante sur ce qu’il veut.

« Part of Your World” a une mélodie fluide et un doux désir dans la voix de Jodi Benson (et lui donne une puissance plus émouvante dans la version live-action de Halle Bailey). On voit son incompréhension comique de ce que sont ses trésors, tous les qui et quoi à profusion. « N’aimerais-je pas explorer ce rivage là-haut ? sa voix s’élève tout en tendant du haut de sa grotte vers le soleil. À ce moment-là, avec ses grands yeux et sa voix douloureuse, on comprend parfaitement à quel compte le monde humain pour elle.

Aucune chanson de Disney n’est aussi épique que « Circle of Life » d’Elton John. L’image du soleil levant, associée aux premières lignes chantées avec passion en zoulou par Lebo M., sans aucune partie instrumentale, vous plonge immédiatement dans cette histoire captivante de la savane africaine. Le titre, « Le Cercle de la vie », convient parfaitement à ce récit de naissance, de mort et de tout ce qui se trouve entre les deux. Les paroles englobent en quelque sorte tout ce qui concerne notre grand et beau monde : la finitude de la vie et les expériences, bonnes et mauvaises, qui nous donnent l’équilibre. Il y a du désespoir. et il y a de l’espoir. Il y a de la foi. et Il y a de l’amour. Les paroles sont poétiques et vous font réfléchir à la merveille et au mystère de l’existence. La chanson atteint un sommet puissant à la fin, lorsque le refrain s’élève. Impossible de ne pas ressentir des frissons dans tout le corps sur cette note finale enivrante, « It’s the circle, the circle of life », ponctuée par le rythme tonitruant des tambours, où la vue de Rafiki soulevant Simba sur le rocher des fiertés devient noire. « Circle of Life » est une belle chanson avec une vision grandiose, surtout pour un film destiné aux enfants.