Tous les films de Ridley Scott, y compris Gladiator II, classés du pire au meilleur

Présentant certaines des pires tendances de Ridley Scott, le drame historique de 1992 1492 : Conquête du paradis est si mal exécuté qu’il peut vous faire sympathiser avec les adeptes de la Terre plate. Alors que la caméra de Scott capture une interprétation mise en scène de l’expédition de Christophe Colomb vers le Nouveau Monde avec une grandeur opératique, il n’y a aucune substance derrière ses voiles. Le film est simplement une série de plans, chacun ressemblant à un économiseur d’écran glorifié, mettant en scène un Gérard Depardieu imbibé d’eau salée errant sans but dans un cosplay colonial. Cette critique ne porte pas sur le caractère monstrueux du vrai Colomb ni sur la mythification grossière des atrocités historiques par le film : il s’agit simplement d’un film ennuyeux et sans inspiration, qui n’a rien de significatif à dire.

Voici Scott fonctionnant à son niveau sonore maximal habituel, un film d’évasion à gros budget pour adultes qui tombait en disgrâce au milieu de la montée en puissance de Marvel. Malheureusement, Exode« excès gonflé, incohérence mélodramatique et, dans l’ensemble, 300-ification d’une histoire que d’autres cinéastes des années passées ont déjà magnifiquement racontée en font l’une des entrées les plus faibles de l’œuvre prolifique de Scott.

Cela aurait dû fonctionner. C’est Sir Anthony Hopkins qui revient à l’un de ses rôles les plus célèbres dans une suite dirigée par l’un des auteurs de studio les plus éminents de l’époque. Au lieu de cela, Hannibal est une suite bien trop schizophrène pour savoir quel genre de film d’horreur elle veut être et trop peu ambitieuse pour rivaliser avec son prédécesseur, le beau Jonathan Demme Le silence des agneaux.

C’est douloureux de penser à Robin des Bois quand vous vous souvenez du film c’était presque le cas. Dans l’original Nottingham scénarisé par Ethan Reiff et Cyrus Voris, l’histoire adopte une nouvelle approche avec un shérif plus sympathique, un Robin des bois amoral, un triangle amoureux torride, et même des sciences légales d’époque. Idiot ? Peut-être. Mais ce aurait été différent, essentiellement un gros budget Loi et ordre se déroulant en 1199 après J.-C. Au lieu de cela, ce que nous avons eu c’était Russell Crowe jouant dans une version magnifiquement rendue mais sans inspiration de la légende anglaise. Robin des Bois est gros, gonflé et pas mauvais, mais pourquoi s’embêter quand la version d’Errol Flynn est toujours imbattable ? (Honnêtement, même celle de Kevin Costner fera l’affaire.)

Quelqu’un pour veiller sur moi est une plongée soignée dans les thrillers néo-noirs qui ont proliféré dans la seconde moitié des années 80. Le blocage et le cadrage de Scott méritent une fois de plus d’être étudiés par les étudiants en cinéma. Au-delà de ses visuels saisissants, cependant, c’est décevant - une histoire remplie de personnages fades et d’une romance sans éclat qui ne parvient jamais à susciter une véritable passion ou intrigue.

Arrivant près de 25 ans après son prédécesseur sismique, la suite héritée de Scott Gladiateur II est accompagné de tous les excès habituels du réalisateur, évidents depuis les larges épaules de Paul Mescal jusqu’aux performances raffinées de Denzel Washington et Choses étranges‘ Joseph Quinn. Mais comme des barques flottant dans un colisée, son extravagance ne peut compenser sa paresse. Le protagoniste de Mescal Lucius est le plus condamnable , dont l’histoire trop cuite et le manque de jus le rendent difficile à applaudir. Chaque fois qu’il est fait par le Maximus de Russell Crowe, vous pouvez vous demander pourquoi vous ne vous pas simplement à regarder Gladiateur à la place.

Réunissant Scott et Russell Crowe (dans le deuxième des cinq films ensemble), Une bonne année met en vedette Crowe dans le rôle d’un commerçant londonien accro au travail qui hérite du vignoble de son oncle en France où il tombe amoureux d’une séduisante propriétaire de café (Marion Cotillard). Plutôt sans saveur, avec quelques touches de piquant provenant de l’alchimie entre Crowe et Cotillard, Une bonne année est comme une assiette pleine de cuisine fade – quand « bien » semble trop loin d’être bon.

Basé sur la tragédie réelle du brigantin Albatros, qui a coulé le 2 mai 1961, le film suit un groupe de jeunes hommes lors d’une excursion en voile parrainée par l’école, dirigée par leur capitaine, « Skipper », le Dr. Sheldon (Jeff Bridges). Lorsque le navire est dévasté par une tempête soudaine, la « rafale blanche » du titre, la survie des garçons dépend des leçons critiques qu’ils ont appris tout au long de leur voyage. Bourrasque blanche ne trace pas de nouvelles voies cinématographiques ou particulièrement palpitantes, mais son sérieux et son attrait émotionnel font qu’il la laisse facilement emporter.

Peu de temps après que Tom Cruise soit devenu une star en dansant en sous-vêtements et en chaussettes, Scott a travaillé avec la star nouvellement certifiée A pour son roman fantastique de contes sombres Légende. La fantasy était un nouveau terrain de jeu pour Scott, qui, en 1985, avait déjà sorti deux de ses films de science-fiction les plus marquants, Étranger et Blade Runner. Mais aussi magnifique que soient ses ambiances (et un film que je recommande personnellement à Âmesborne fidèle), Légende n’a pas grand-chose à offrir, à part Tim Curry dans le rôle d’un Darkness diaboliquement masculin, une réussite sans précédent en matière de maquillage et de design, qui s’associe parfaitement au charisme flamboyant de Curry. Légende est un film déroutant, en apparence un conte de fées classique avec un style artistique d’art et d’essai.

Tout l’argent du monde est souvent connu comme le film qui a effacé Kevin Spacey à la suite des allégations qui ont détruit sa carrière, mais il mérite plus de reconnaissance que cela. Basé sur le livre non-fictionnel de John Pearson de 1995 Douloureusement riche, le film raconte l’enlèvement de John Paul Getty III en 1973 et les tentatives infructueuses de sa mère (Michelle Williams) pour convaincre son grand-père milliardaire (Christopher Plummer, remplaçant Spacey) de payer la rançon. Cela conduit à des mesures de plus en plus désespérées pour récupérer son adolescent n. Bien qu’il fonctionne comme un thriller de rançon assez standard, c’est la performance puissante de Williams qui élève le film, en faisant un film fascinant. Ce n’est rien de moins qu’un crime que son travail exceptionnel ait été ignoré par les Oscars, ne lui rapportant qu’une nomination aux Golden Globes.

Mis à part la victoire douteuse (et totalement imméritée) du Razzie Award de Demi Moore pour la pire actrice, Ridley Scott GI Jane— un récit romancé de la première femme à s’entraîner dans les Navy SEALs des États-Unis — est un film imparfait mais louable. Moore incarne le lieutenant Jordan O’Neil, qui est sélectionné personnellement pour un programme pilote visant à intégrer les femmes dans la Marine. Son commandant, le Master Chief John Urgayle (Viggo Mortensen), la pousse à bout. Contrairement à la plupart des œuvres de Scott, GI Jane est une histoire édifiante sur le courage et la persévérance, soutenue par un puissant message féministe. Ses efforts nobles sont cependant quelque peu minés par une adhésion sans réserve au chauvinisme.

Rempli de toutes les caractéristiques des thrillers d’espionnage post-11 septembre, le thriller de Ridley Scott Corps de mensonges offre un film divertissant que les fans des jeux Tom Clancy pourraient apprécier. Basé sur le roman de 2007 de David Ignatius, qui a été inspiré par l’opération Mincemeat menée par les forces britanniques pendant la Seconde Guerre mondiale, le film suit les efforts intense d’un agent de la CIA (Leonardo DiCaprio) et son patron manipulateur (Russell Crowe) alors qu’ils s’efforcent de débusquer un chef terroriste au Moyen-Orient. Mais dans quelle mesure peuvent-ils vraiment se faire confiance ? Avec des images de surveillance complexes, des SUV noirs en mouvement et DiCaprio qui crie dans de minuscules téléphones portables, Corps de mensonges ne réinvente pas la roue des films d’espionnage, mais ce n’est pas obligatoire.

Selon la version que vous voyez, Royaume des cieux peut être soit saint ou impie. La version théâtrale de Royaume des cieux, une chronique librement fictive du noble italien Balian d’Ibelin (Orlando Bloom) qui a combattu dans les croisades, bombardé dans les cinémas. Incohérent et oppressant, le film capture la misère des croisades, mais en fin échoue. Bien qu’il contienne des moments de beauté visuelle, attendus du réalisateur de Gladiateur, ça semble incomplet. C’était parce que ça était. Quand Royaume des cieux DVD à succès, Ridley Scott a personnellement supervisé une version du réalisateur étendue, ajoutant 40 minutes de matériel restauré initialement supprimé en raison de l’ingérence du studio et de projections test au public. Le résultat a transformé un film défectueux en un chef-d’œuvre moderne.

Dans ses débuts de réalisateur acclamés par la critique, Ridley Scott a fait sensation avec Les Duellistes, un drame historique dans le quel Harvey Keitel et Keith Carradine interprètent des officiers français rivaux engagés dans une bataille d’usure de 20 ans. Le film marqua la transition de Scott des publicités télévisées au cinéma narratif théâtral, le réalisateur s’inspirant largement du Stanley Kubrick Barry Lyndon. Raconté à travers une série de tableaux peinturiers, Les Duellistes capture les troubles politiques plus larges de la France napoléonienne tout en rendant chaque duel intensément personnel, grâce à la tension à l’écran entre Keitel et Carradine. Ce qui n’est pas habituel pour les derniers films de Scott, Les Duellistes a reçu des éloges particuliers pour son exactitude historique, en particulier pour les combats à l’épée méticuleusement chorégraphiés.

Le récent film de Ridley Scott sur la vie de l’officier français devenu empereur Napoléon Bonaparte a suscité des critiques de la part des historiens, mais Scott n’a jamais prétendu réaliser des documentaires. Dans ce biopic historique exceptionnellement long, Joaquin Phoenix endosse le rôle emblématique de Napoléon, retraçant son ascension au pouvoir dans la France du XIXe siècle, avec la captivante Vanessa Kirby dans le rôle de sa première épouse calculatrice, Joséphine. Alors que le film capture la morosité morose qui entoure une figure souvent considérée comme un tyran, Napoléon est étonnamment drôle parfois, grâce à la performance engagée de Phoenix et à son don pour dépeindre le pouvoir démesuré exercé par un petit homme. Le résultat est un film fascinant, mais soyez prêt à enchérir au revoir tout votre après-midi.

Imaginez Blade Runner sans les voitures volantes, c’est essentiellement le film de Ridley Scott Pluie noire, un thriller policier élégant des années 80 qui suit un policier au caractère dur et son partenaire (Andy Garcia) de New York à Tokyo. Après avoir livré un tueur à gages yakuza aux autorités japonaises qui s’échappe sous leur surveillance, le duo fait équipe avec un officier local respectueux des règles (Ken Takakura) pour traquer leur fugitif, une aiguille tatouée dans une botte de foin imbibée de néon. Un peu comme Blade Runner, Pluie noire exploite les anxiétés américaines concernant le déclin de la domination mondiale, avec son récit reflétant le malaise concernant l’essor économique du Japon à la fin du 20e siècle. En même temps, il tisse une histoire étonnamment sincère de comblement des clivages culturels et personnels. Pour les fans des visuels pleins de pluie et d’ambiance de Scott, Pluie noire offre un style accrocheur inspiré du noir.

Une fois de plus, vous aurez envie de rechercher la version étendue du réalisateur de Scott. Un thriller policier musclé rempli de corps endurcis et d’âmes calleuses, le film de Scott de 2013 Le Conseiller donne vie au premier scénario de Cormac McCarthy. C’est une histoire philosophiquement dense et riche en dialogues sur un avocat (Michael Fassbender) dont la décision de s’impliquer dans un trafic de drogue à la frontière entre le Mexique et le Texas devient incontrôlable. L’un des films les plus controversés de Scott, polarisant le public entre l’admiration et le dédain.Le Conseiller est indéniablement intrigant. Il propose une interrogation sombre et sans faille sur les défauts humains comme la cupidité, délivrée avec une perspective aussi sombre et impitoyable que le pétrole brut.

Une histoire d’intrigue aristocratique pleine de stars, Maison Gucci raconte la romance vouée à l’échec entre Maurizio Gucci (Adam Driver), héritier de la fortune Gucci et de sa marque de mode emblématique, et sa femme Patrizia Reggiani (Lady Gaga). La querelle très médiatisée au sein de la dynastie Gucci semble taillée sur mesure pour la sensibilité de Ridley Scott, un réalisateur qui privilégie souvent le drame et les détails plutôt que la stricte exactitude des faits. Maison Gucci reflète l’ironie de l’industrie de la mode elle-même : un monde où les personnages sont obsédés par leur apparence et leur réputation mais n’ont aucun souci à se salir les mains.

À la fois partie de la Étranger franchise mais désireuse de tracer son propre chemin, Ridley Scott Prométhée marque un retour aux sensibilités obsédantes et énigmatiques du réalisateur après des années de grandeur hollywoodienne. Se déroulant à la fin du 21e siècle, le film suit une équipe d’explorateurs à bord du vaisseau spatial Prométhée en mission pour découvrir les origines de l’humanité, mais ils se retrouvent dans une lutte désespérée pour leur survie. Un film d’horreur de science-fiction visuellement époustouflant, Prométhée explore l’orgueil de l’humanité, mêlant les influences de la mythologie grecque, des thèmes judéo-chrétiens et l’immensité effrayante de l’horreur cosmique lovecraftienne.

Dans l’adaptation par Ridley Scott du livre non-fictionnel d’Eric Jager, un chevalier français (Matt Damon) pendant la guerre de Cent Ans accuse son ancien écuyer (Adam Driver) d’avoir agressé sexuellement sa femme (Jodie Comer) et le défie dans l’un des derniers duels au corps à corps enregistrés en France. Rashômon-un conte de style avec des parallèles frappants avec #MeToo, Le dernier duel se déroule à travers trois perspectives contradictoires, bien que le film affirme qu’il n’y a qu’une seule vérité. Sobre, sombre et captivant, Le dernier duel déborde d’une brutalité sans faille. Bien qu’il ne soit peut-être pas classé parmi les meilleurs de Scott de tous les temps, il se distingue comme l’une de ses plus belles œuvres depuis des années.

Vous pouvez pratiquement sentir la poussière et les débris, ressentir la chaleur rayonnant d’un fusil d’assaut chaud et entendre vos oreilles bourdonner à cause des grenades fraîchement déclenchées. Sorti quelques semaines seulement après le 11 septembre, le film de Ridley Scott Black Hawk à terre a offert au public un aperçu viscéral de l’évolution du visage de la guerre à travers sa représentation de l’incident du Black Hawk Down de 1993 pendant la guerre civile somalienne. Le film suit une mission militaire américaine visant à stabiliser le conflit, qui devient incontrôlable lorsque des hélicoptères Black Hawk sont abattus, obligeant les soldats en infériorité numérique à se regrouper et à survivre contre toute attente. Malgré ses inexactitudes historiques et un récit parfois vertigineux, Black Hawk à terre brouillait magistralement la frontière entre spectacle à captivant et terreur à coups. Sans surprise, il est devenu une pierre de touche pour les médias militaires qui ont suivi, influençant tout de Call of Duty 4 : Modern Warfare à Denis Villeneuve Dune.

Cinq ans après Prométhée, Scott est revenu pour diriger sa propre suite à la franchise qu’il a commencée. 2017 Alien: Covenant officiellement ponts Étranger et Prométhée, suivant l’histoire d’un navire colonial endommagé qui touche sur une planète mystérieuse cachant un sombre secret et une entité hostile. Alors que le récit emprunte largement au roman original de Scott Étranger et propose des clins d’œil à d’autres entrées dans la franchise, Engagement sert de continuation satisfaisante de Prométhée tout en offrant des frissons nouveaux qui lui sont propres. Fidèle à l’esprit du slogan emblématique qui a fait Étranger inoubliable, Engagement nous rappelle : « Dans l’espace, personne ne peut vous entendre crier. »

Aussi intelligent, drôle et plein de suspense que le livre d’Andy Weir, et doté d’une palette de couleurs auburn-orange saisissante pour donner vie à Mars.Seul sur Mars permet à Ridley Scott de faire travailler différents muscles tonaux. Le film parvient à être aussi léger que l’apesanteur sans minimiser la sévérité de ses prémisses. Matt Damon livre une performance impressionnante, soutenu par un ensemble de distributions exceptionnel (Jessica Chastain, Kristen Wiig, Jeff Daniels, Sean Bean, et bien d’autres), même si la plupart des personnages semblent à des années-lumière les uns des autres pendant une grande partie du film. Seul sur Mars est tout simplement une bonne chose—une très bonne chose.

Si Gladiateur n’est-il pas le meilleur film de Ridley Scott, il mérite certainement d’être mentionné dans le même souffle que le précédent. Un énorme succès lors de sa sortie à l’été 2000, le film a ressuscité l’épopée de l’épée et des sandales avec une histoire de vengeance captivante sur Maximus (Russell Crowe), un général romain décoré trahi par le nouvel empereur comploteur (Joaquin Phoenix) et forcé de survivre en tant que gladiateur asservi. Débordant de machisme brut et solidifiant la star power de Crowe dans le bronze cinématographique, Gladiateur était l’un des derniers films à la fois dominer le box-office et remporter l’Oscar du meilleur film. « Vous n’êtes pas divertis ? » Certainement nous l’étions.

La prochaine fois Les hommes allumettes apparaît sur le câble (en supposant que vous ayez toujours un abonnement), donnez lui une chance, vous pourriez être agréablement surpris malgré son prémisse apparemment ennuyeuse. Nicolas Cage joue le rôle d’un escroc névrosé et criblé de tics dont la vie de criminel soigneusement construite s’effondre lorsqu’il rencontre sa fille adolescente (Alison Lohman). Les hommes allumettes se distingue de la plupart des films de Ridley Scott, sa mise en scène discrète manquant de la grande portée et de la surcharge sensorielle typiques de son travail, à l’exception d’un retournement de situation final si dévastateur qu’il pourrait vous faire tomber de votre canapé. Les hommes allumettes Cependant, ce qui met en valeur est une autre des plus grandes forces de Scott : collaborer avec des acteurs de premier plan et faire ressortir leurs meilleures performances.

La beauté de Scott Thelma et Louise ne réside pas seulement dans son plan final emblématique : c’est dans le voyage qui amène ses personnages à ce moment inoubliable. Susan Sarandon et Geena Davis brillent dans le rôle des protagonistes titulaires, deux amies dont le court voyage en route dégénère en fuite de la loi après avoir tué un violeur ayant tenté de violer. Alors qu’elles traversent À travers le pays, Thelma et Louise se lancent dans une quête plus profonde d’indépendance, trouvant un sens et une réalisation de soi dans la distance toujours croissante entre elles et le monde oppressif qu’elles ont laissé derrière elles. Célébré à la fois comme un film féministe marquant et comme l’un des plus grands road-movies jamais réalisés, Thelma et Louise reste dans les mémoires tout comme il se conclut : audacieux, provocant et inoubliable.

L’exploration approfondie du rêve américain par Scott prend vie dans Gangster américain, incarné dans l’histoire de Frank Lucas, le célèbre gangster de Harlem qui a bâti un empire de l’héroïne pendant la guerre du Vietnam, et aurait fait entrer la drogue aux États-Unis par le moyen de cercueils contenant des militaires morts. Denzel Washington occupe l’écran dans le rôle de Lucas, livrant une interprétation d’une impitoyabilité et d’une réserve émotionnelle glaçantes. Russell Crowe retrouve Scott pour jouer le policier déterminé qui poursuit sans relâcher l’entreprise criminelle de Lucas.

Presque sans faille du début à la fin, Gangster américain transcende son titre générique pour devenir peut-être l’un des plus grands films sur les gangsters et les rêveurs, le capital et le pouvoir, et les opportunités qu’offre la corruption depuis Le Parrain et Les Affranchis. À quel point est-ce bon ? Assez bon pour inspirer Jay-Z à enregistrer l’un de ses meilleurs albums.

C’est presque inconcevable que Blade Runner a été négligé au box-office en 1982, pour devenir plus tard l’un des films les plus influents de tous les temps. Un mélange fascinant de roman policier noir et de science-fiction spéculative, Blade Runner plonge profondément dans les thèmes de l’identité, du but et de la mémoire. Le film suit Rick Deckard (Harrison Ford), un ancien flic devenu chasseur de primes chargé de mettre à la retraite des androïdes réalistes connus sous le nom de « réplicants », dont un particulièrement dangereux (Rutger Hauer) à la tête d’un gang de horreurs.

Son impact sur le genre de la science-fiction ne peut pas être surestimé ; presque tous les médias de science-fiction depuis lors doivent quelque chose à Blade Runner. Ce qui l’empêche de figurer au sommet absolu de la filmographie de Scott, c’est l’existence de sept versions différentes du film, chacune offrant une vision légèrement différente. Pour les nouveaux spectateurs, recherchez la version 2007 Final Cut—la seule version où Scott avait un contrôle créatif complet.

Un film d’horreur de science-fiction surprenant et visuellement époustouflant sur la survie de l’humanité (ou plus précisément des femmes) face à l’inconnu, le deuxième long métrage de Scott, Étranger, suit l’équipage malheureux d’un vaisseau spatial alors qu’il tente d’expulser une entité malveillante après qu’elle s’est infiltrée dans leur vaisseau, offrant l’une des révélations les plus grotesques et emblématiques de l’histoire du cinéma. Sigourney Weaver prend progressivement le centre de la scène dans le rôle d’Ellen Ripley, une adjudante qui rejoint les rangs de Sally Hardesty et Laurie Strode en définissant l’archétype de la « fille finale » du genre d’horreur.

Même sans tenir compte des innombrables suites, bandes dessinées, jeux vidéo et autres médias qu’il a inspirés, Étranger se présente comme l’une des plus belles réalisations de l’illustre carrière de Scott. Plus que cela, c’est tout simplement l’un des plus grands films jamais réalisés. Point final.