Nous avons classé tous les films de Tim Burton, y compris Beetlejuice, du pire au meilleur

Mars attaque ! Tim Burton est à son aspect le plus maladroit et chaotique dans un hommage et une parodie de la science fiction et des films de série B des années 1950. Le film dépeint des Américains dépourvus de cerveaux et de créatures méchantes , avec des têtes géantes et des yeux exorbités. Les images de série artistiques évidemment fausses ont pour but d’honorer le kitsch a l’esthétique des années 50, mais il est tellement ridicule qu’il est difficile de prendre quoi que ce soit au sérieux. Le casting du film est composé de stars telles que Jack Nicholson, Danny DeVito, Glenn Close, Annette Benning, Michael J. Fox, Martin Short et Pam Grier, mais toute la puissance des stars du monde ne peut pas compenser la façon dont Attaques sur Mars n’est rien de plus qu’un méli-mélo de gags bizarres, douloureusement peu drôles et trop longs. Toute cette étrangeté, comme la tête de Sarah Jessica Parker sur un chihuahua ou les squelettes bizarres en lesquels les gens se transforment lorsqu’ils sont électrocutés par des Martiens, semble plus effrayante que comique. Le charisme innocent des films de série B originaux est perdu ici et toute tentative de le satiriser ne s’applique pas bien aux années 1990.

Entre les suites bâclées de l’original de 1968 et la série épique préquelle avec la performance époustouflante d’Andy Serkis en capture de mouvement, il y a eu le remake tiède de Tim Burton en 2001 La Planète des Singes. Le principal problème de la version de Burton est qu’elle est soit beaucoup trop kite (comme certains singes se plaignant d’une mauvaise cheveux jour) soit elle a du mal à gérer habilement les thèmes plus lourds de race et de classe. Mark Wahlberg semble à la dérive dans ce blockbuster sur une planète où les humains sont asservis par des singes bien plus intelligents, et n’est pas à la mesure de Charlton Heston, qui jouait dans le premier film. Le se remarquable de La planète des singes est l’incroyable maquillage spécial de l’artiste Rick Baker, qui a transformé de manière transparente des acteurs bien connus tels que Tim Roth, Helena Bonham Carter et Paul Giamatti en primates tout en conservant certaines de leurs caractéristiques reconnaissables.

Tim Burton est partout, essayant de s’adapter Ombres sombres, un feuilleton populaire des années 1960 sur un riche vampire Barnabas Collins en querelle de plus de plusieurs siècles avec la sorcière Angélique Bouchard. Bien sûr, le vaste domaine de Collins dans le Maine est incroyable, mettant en valeur le style gothique de Tim Burton avec des flèches inquiétantes et des statues en pierre présentant avec une attention exquise aux détails. L’éclairage dramatique et les plans larges, qui montrent des lustres couverts de poussière et des peintures à l’ancienne, donnent vie au manoir d’une manière que la série télévisée originale n’aurait jamais pu faire. Mais malgré sa conception de production envoûtante, l’histoire laisse à désirer.

Bien que Tim Burton soit généralement un expert pour trouver le ton juste, il ne sait pas s’il doit pencher vers le kitsch ou l’effrayant, ce qui donne un film qui suit une ligne médiane ennuyeuse. Plutôt que de nous offrir une énième performance caméléon, Johnny Depp semble somnambule, ce qui fait de cette collaboration avec Burton sa plus faible collaboration à ce jour (et, jusqu’à présent, sa dernière). La majeure partie de la puissance magnétique du film vient du casting féminin, comme Eva Green et Michelle Pfeiffer. Ombres sombres ne parvient pas à capturer l’essence de la série originale et n’ajoute rien de propre.

Avec un œil pour les merveilles et les curiosités, Tim Burton a toujours eu un faible pour les cirques, et ils sont apparus dans la plupart de ses films. Alors, qui de mieux pour réaliser un nouveau Dumbo film et raconter l’histoire d’un bébé éléphant de cirque rejeté à cause de ses énormes oreilles qui découvre qu’il peut voler ? Avec ses grands yeux bleus, la version CGI de Dumbo est juste assez cartoon pour éviter la vallée étrange de l’ultra-réalisme vu dans Le Roi Lion Adaptation « live-action ». Mais le problème avec la version de Burton, comme avec de nombreux films Disney live-action, est qu’elle étire un court métrage en un film de près de deux heures.

Bien que certains changements, tels que la suppression de Timothy Q. Mouse et des corbeaux racistes, étaient nécessaires, l’histoire d’après-Première Guerre mondiale d’un vétéran manchot et de ses enfants qui s’occupent de Dumbo n’est pas assez engageante, malgré tous les charmes de Colin Farrell. Nous avons beau essayer d’investir en eux, nous voulons simplement revenir à l’attraction principale : Dumbo. Malheureusement, Dumbo est le film le plus laid de Tim Burton, avec des images de synthèse aléatoires et des couleurs atténuées qui donnent l’impression que l’objectif de la caméra est couvert de boue. La seule chose Dumbo L’avantage, c’est que l’éléphant est vraiment, vraiment mignon.

En apparence, un remake live-action de Disney Alice au pays des merveilles semble être un choix parfait pour Tim Burton. Alors que 2010 Alice au pays des merveilles a tout ce qui rend un film de Tim Burton si unique — des personnages enchanteurs mais étranges , une esthétique gothique victorienne et des décors surréalistes extrêmement détaillés — il parvient malgré tout à manquer d’éclat.

Les personnages principaux du film sont particulièrement remarquables, car leurs qualités effrayantes contribuent à créer une version plus tordue du Pays des Merveilles. Le Chapelier Fou de Johnny Depp, avec son visage pâle, ses yeux verts brillants et ses cheveux crépus orange, ressemble à un clown fou, tandis que la Reine Rouge d’Helena Bonham Carter a une tête géante en CGI pour souligner sa hauteur. Tweedledee et Tweedledum, avec leurs étranges yeux enfoncés et leurs corps ronds soutenus par de minuscules jambes fines, rappellent Le Pingouin de Batman. Mais cette version de Alice au pays des merveilles tente d’injecter une marque de féminisme insipide et de #girlpower dans le personnage d’Alice. Elle devient une guerrière menant des séquences de bataille ennuyeuses sur fond de teintes grisâtres ternes.

Ce type d’expansion du récit original, souvent au service de la création de personnages féminins plus forts, allait devenir une tendance à succès ou à échec dans les futures adaptations live-action de Disney. Malgré toute l’abondance visuelle, Alice au pays des merveilles est insuffisant.

La couverture du livre de Ransom Riggs La maison de Miss Peregrine pour enfants particuliers ressemble exactement à un film de Tim Burton : en noir et blanc, avec un enfant victorien effrayant et des arbres nus et courbés en arrière-plan. Le livre et le film suivent un jeune garçon qui découvre un groupe d’enfants dotés de capacités paranormales, connus sous le nom de « Particuliers », et leur gardien capable de faire une boucle temporelle et qui peut se transformer se transformer en faucon pèlerin. En tant que Miss Alma Lefay Peregrine, Eva Green a une présence calme et intense qui rend ses performances hypnotiques à regarder. Emma Purcell, qui joue une fille capable de manipuler l’air, est un autre point fort : ses yeux expressifs, semblables à ceux d’un hibou, transmettent un sérieux qui fait avancer l’histoire.

Entre les mains de Burton, les méchants de Hollowgast se transforment en créatures surréalistes et cauchemardesques au corps pâle, à la tête sans yeux, aux dents acérées et aux langues à multiples pointes. Bien que le concept imaginatif, les personnages particuliers et le décor du manoir victorien soient indéniablement burtoniens, il y a trop de problèmes d’intrigue et de rythme. La maison de Miss Peregrine pour enfants particuliers on se sent précipité et indifférent aux émotions de ce qui se passe à l’écran, se contentant de suivre les rythmes de l’histoire du phénomène YA pour le préparer aux futures suites.

Cela fait plus de 30 ans que le film effrayant et hystérique de Tim Burton Beetlejuice a renversé les clichés de la maison hantée, et nous avons maintenant une suite qui revisite les personnages bien-aimés du film original et leur maison de la Nouvelle-Angleterre sur la colline. Beetlejuice Beetlejuice a beaucoup de girl power , ce qui est bon à voir : Lydia de Winona Ryder, qui est passée d’une adolescente sombre à une star de télévision médiatique aux prises de médium et aux travaux contre l’anxiété et la prise de comprimés ; l’artiste mélodramatique de Catherine O’Hara, qui est passée de la sculpture à l’art médiatique ; et Jenna Ortega, qui est tout aussi sombre que Lydia l’était à ce âge, en raison de la célébrité de sa mère et de sa capacité à parler à tous les fantômes sauf à son père. C’est une émeute de revoir Michael Keaton dans le rôle de Bételgeuse, bien sûr, mais la modernisation de son humour le rend moins déchirant et tranchant que l’original, et toute l’intrigue secondaire concernant son ex-femme Delores semble forcée.

Beetlejuice Beetlejuice tente d’explorer des thèmes plus profonds des relations toxiques, mais il ne cesse jamais de se précipiter à travers différents scénarios, des gags comiques ou des rappels nostalgiques pour laisser la place pour se connecter émotionnellement avec les personnages. Certains clins d’œil au premier film sont géniaux, comme l’ancien film de Delia des sculptures résident désormais à l’école privée d’Astrid, grâce à son financement du centre artistique et au retour des vers des sables en stop-motion. Mais d’autres, comme « Day-O » chanté aux funérailles de Charles, n’ont aucun sens. C’est très amusant d’être de retour dans ce monde macabre, mais Beetlejuice Beetlejuice ressemble finalement à une chambre d’écho vide d’un passé meilleur.

Pee-wee m’a fait peur quand j’étais petit, donc je n’ai jamais été un grand fan de La grande aventure de Pee-wee, même si je sais que c’est un favori nostalgique pour beaucoup. La performance exagérée de Paul Reubens dans le rôle du garçon optimiste qui n’a jamais grandi et à la recherche de son vélo était trop irritante; ses fasques sauvages, comme danser pour un gang de motistes ou se faufiler dans un terrain de Warner Bros., étaient trop loufoque. Mais en tant que premier long métrage de Tim Burton, c’est une vitrine importante pour l’esthétique originale pour le quel il deviendra bientôt célèbre. Les séquences de rêve en particulier, avec des clowns tueurs et un T. Rex en stop-motion, ont le genre de jeu effrayant qui préfigure son travail ultérieur. La grande aventure de Pee-wee a une absurdité enfantine implacable que beaucoup trouvent charmante, en particulier le jeune public. Mais si vous ne trouvez pas Pee-wee drôle ou mignon, il n’y a pas grand chose ici à part les effets spéciaux époustouflants.

Grands yeux est un biopic d’un artiste incompris, et bien qu’il n’atteigne pas les sommets émotionnels ou visuels de Ed Wood, il est ancré par une performance nuancée d’Amy Adams dans le rôle de Margaret Keane, la vraie femme derrière les célèbres peintures d’enfants aux yeux sapins (son mari violent, Walter Keane, s’est fait passer pour le véritable artiste). Ce sont les petits moments qui font la performance d’Amy Adams, tout ce qu’elle ne dit pas quand elle serre les lèvres ou la déception vacillante dans ses yeux o les mensonges de son mari. Une fois de plus, Tim Burton utilise la couleur pour communiquer les émotions de l’histoire : les joies de leur mariage précoce sont baignées de couleurs saturées, mais deviennent plus sombres avec des tons plus froids lors de leurs conflits au sujet des tableaux. C’est rafraîchissant de voir Tim Burton explorer la vie intime des gens ordinaires ; il le fait si bien qu’on aimerait qu’il le fasse plus souvent.

Certains diront que c’est un sacrilège de préférer Tim Burton Charlie et la chocolaterie par rapport à l’original de 1971 avec Gene Wilder, mais le style de Tim Burton est parfaitement adapté à l’histoire d’un jeune garçon qui remporte un concours pour explorer une mystérieuse usine de fabricant de confiseries. Tim Burton conçoit avec amour le vaste palais de confiseries de Willy Wonka avec des décors construits au lieu de CGI, en les remplissant de couleurs vertes et lumineuses. de l’herbe, des arbres géants en forme de canne à sucre et une cascade de chocolat. Toutes ces douceurs semblent brillantes et presque trop parfaites pour être vraies. Burton crée un contraste saisissant entre la merveilleuse usine et la ville industrielle terne dans laquelle elle se trouve, avec la maison au toit de chaume de Charlie penchée exagérément d’un côté.

Avec une voix légère et pleine d’entrain, Johnny Depp crée une version de Willy Wonka moins psychopathe que celle de Gene Wilder. Il est plus drôle et a plus de profondeur émotionnelle, plus proche d’un enfant socialement inapte et trop grand avec des problèmes avec son père. Nous sympathisons avec lui à mesure que nous en apprenons davantage sur son enfance traumatisante et sa relation tendue avec son père, joué par le grand Christopher Lee.

Au lieu du bourdonnement horrifiant et hypnotique de l’original, les séquences musicales Oompa-Loompa de Burton sont accrocheuses et amusantes, utilisant une variété de genres allant du heavy metal au folk hippie. Charlie et la chocolaterie utilise un matériel préexistant qui était parfait pour le sens de l’émerveillement et de l’étrangeté enfantins de Burton.

Les Noces funèbres est un autre chef-d’œuvre en stop-motion de Tim Burton. Johnny Depp sonne si différemment de ses autres rôles en tant que Victor timide et nerveux qui, peu avant son mariage arrangé, épouse accidentellement une mondaine morte nommée Emily. Elle l’emmène au Pays des Morts très animé, rempli de teintes vertes, violettes et bleues vives, de numéros musicaux qui font claquer des pieds et de personnages squelettes déjantés (dont un adorable chien mort nommé Scraps).

Burton aime clairement juxtaposer ce monde étonnamment optimiste avec les gris sombres et étouffants de l’Angleterre victorienne. Les Noces funèbres présente toutes sortes d’humour créatif et grossier, comme un asticot qui sort de l’orbite d’Emily. De nombreux personnages décédés dans Les Noces funèbres ressemblent à la façon dont ils sont morts, comme une paire de généraux avec des trous de canon et des épées dans le ventre : les interactions maladroites et terrifiées de Victor avec eux sont hilarantes.

Il y a également des moments très émouvants, comme le meurtre d’Emily par son fiancé pour sa fortune. La voix légère d’Helena Bonham Carter évoque une jeune femme blessée, et son chant est magnifiquement envoûtant. Une scène particulièrement touchante avec des papillons vous fera pleurer. Les Noces funèbres est drôle mais mélancolique, effrayant mais mignon, et très amusant. Cela prouve que les enfants peuvent aussi apprécier les histoires sombres.

Le style gothique flamboyant de Tim Burton est parfait pour donner vie à la ville sombre de Gotham Batman. Burton transforme Gotham en une jungle urbaine vivante qui correspond parfaitement à la personnalité torturée de Bruce Wayne. Les bâtiments exigus aux flèches acrée et aux façades audacieuses rappellent les films expressionnistes allemands tels que Fritz Lang Métropole et F. W. Murnau Le dernier rire.

Malgré les décors exagérés, Batman est fondé par la performance de Michael Keaton ; il ombrage Batman et Bruce Wayne avec un mélange de cool , de dureté et de vulnérabilité. Sa voix douce et composée de Batman indique une force cachée et une confiance constante que les autres acteurs jouant Batman ont rarement. Jack Nicholson, bien sûr, est emblématique dans le Joker, livrant une performance merveilleusement ostentatoire avec son sourire effronté qui est son marque de fabrique ; il se comporte comme le chef maniaque d’un cirque tordu.

Ce n’est peut-être pas le meilleur Batman adaptation — cet honneur revient à la trilogie de Christopher Nolan — mais elle a un aspect sombre et atmosphérique grâce à la réalisation de Burton qui exploite efficacement les aspects pulpeux de la bande dessinée.

Le retour de Batman commence avec une tristesse que l’on ne retrouve pas autant chez d’autres Batman films. Après avoir découvert que leur enfant avait des différences physiques, un couple riche snob jette son berceau dans une rivière gelée — le jour de Noël, en plus ! Soutenu par le chœur étrange de la musique de Danny Elfman, le film traverse les égouts crasseux où errent les pingouins. Le film est défini par y ce type de cruauté, particulièrement dans le Penguin de Danny DeVito. C est un personnage bruyant et impétueux avec une apparence grotesque —bosselé et difforme avec un nez en forme de bec. Ses traits courts et ronds, sa démarche dandinante et ses cris instables le font plus ressembler à un animal qu’à un humain.

La performance de DeVito est le véritable point fort de Le retour de Batman, avec Michelle Pfeiffer dans le rôle de Catwoman, bien sûr. Sa performance est délicieusement déjantée et respire l’érotisme, particulièrement dans son costume en cuir de style BDSM et son plaisir à attacher les gens. Le film contient des éléments caricaturaux, comme le Pingouin conduisant une voiture en forme de canard géant, mais il y a aussi une violence intense où il mord le nez d’un homme et du sang coule entre ses dents ; un autre homme est électrocuté, ses yeux blancs sortant de sa chair brûlée et croustillante.

Le retour de Batman est bien plus intéressant et visuellement plus dynamique que le premier car il s’appuie sur un certain type de laideur folle que seul Tim Burton pouvait créer.

Creux endormi est l’un des films les plus magnifiques de Tim Burton, affichant une esthétique riche et gothique qui rappelle les audacieux classiques d’horreur de la Hammer. Les images de décolletés plongeants, d’arbres noueux, de routes brumeuses et de cottages au toit de chaume créent un film d’époque sombre et détaillé. Chaque plan est baigné de gris et de noirs sombres, donnant à tous les personnages des teintes faciales fantomatiques tout en faisant jaillir de l’écran les rivières de sang de ce film très sanglant.

La performance de Johnny Depp est une grande partie de ce qui fait Creux endormi fonctionne si bien en tant que mélange vibrant de kitsch, d’humour noir et de véritable terreur. Il incarne parfaitement le pointilleux Ichabod Crane qui croit davantage à la science qu’au surnaturel. Il possède une boîte à outils d’inventions bizarres, notamment un ensemble d’oculaires ressemblant à des insectes avec lesquels il aime jouer, mais il tombe malade de devoir procéder à des autopsies et à des examens des plaies des victimes sans tête. Creux endormi se construit vers un point culminant palpitant avec Christopher Walken dans le rôle du méchant Cavalier sans tête.

En tant que l’un des meilleurs de Tim Burton, Creux endormi est l’un des rares films d’horreur où l’on s’amuse beaucoup mais où l’on a aussi des frissons.

Sweeney Todd : le barbier démoniaque de Fleet Street ressemble à Sleepy Hollow par ses détails d’époque méticuleux et ses couleurs sombres et sombres : le sang rouge des gorges tranchées est plus brillant que tout ce qui apparaît à l’écran. Johnny Depp incarne Sweeney Todd, un homme qui perd sa femme et sa fille aux mains du méchant juge Turpin et revient d’une détention en Australie en quête de vengeance.

La voix de Depp a un côté rock and roll qui convient parfaitement au personnage et exprime sa rage brute et brisée. Sweeney forme un partenariat sournois avec Mme Lovett, assassinant ses clients de salon de coiffure et les transformant en pâtés à la viande en prévision de son règlement de compte avec Turpin. La voix d’Helena Bonham Carter, en revanche, est bien trop douce et faible pour un personnage aussi impétueux que Mme Lovett.

Burton ajoute une touche de fantaisie à certaines scènes, notamment au roman fantastique de Mme Lovett « Au bord de la mer » où Sweeney Todd porte un maillot de bain noir et blanc façon Beetlejuice. Tous les numéros musicaux ont ce type de vision créative et des mouvements de caméra fluides et dynamiques. Sweeney Todd est un mélange mortel d’horreur, d’humour noir et de mélodrame, et l’un des meilleurs de Burton.

En 1984, Tim Burton travaillait pour Disney en tant qu’animateur et réalisait un court métrage, Frankenweenie, basé sur le classique de Mary Shelley Frankenstein, à propos d’un garçon nommé Victor Frankenstein qui utilise l’électricité pour ressusciter son bull terrier mort, Sparky. Ironiquement, Disney a fini par licencier Tim Burton pour avoir réalisé un film pour enfants trop effrayant, mais en 2012, Tim Burton a pu réaliser une version 3D en stop-motion de son court-métrage.

Le nouveau Frankenweenie est sophistiqué et touchant, reflétant les nombreuses années de Tim Burton en tant que cinéaste chevronné. Les visuels nets en noir et blanc font ressortir la qualité impressionnante des marionnettes, en particulier les étranges petits enfants aux yeux géants en forme de soucoupe et aux petits points pour les pupilles, et l’adorable et énergique Sparky.

Situé en 1957, le film monochrome Frankenweenie sert d’hommage tendre aux films de monstres classiques qui ont inspiré Tim Burton pendant son enfance. Frankenweenie a une sensibilité enfantine avec son humour morbide et grossier, mais il y a aussi une douceur qui commente le lien spécial entre les enfants et leurs animaux de compagnie. C’est un merveilleux film familial qui a clairement été réalisé avec le cœur et l’âme de Tim Burton.

Ed Wood est un biopic simple tourné en noir et blanc pour évoquer les films de science-fiction et d’horreur de pacotille des années 1950. Ed Wood était un paria d’Hollywood qui réalisait des fiascos avec des budgets limités et des stars de cinéma qui n’étaient plus à leur apogée. Dans le rôle d’Ed Wood, Johnny Depp apporte au rôle une gaieté déterminée à laquelle il est difficile de résister. Les scènes de tournage à la volée d’Ed sont hilarantes, montrant un réalisateur qui aime tout filmer en une seule fois ke, quoi qu’il arrive. Il apprécie tout simplement le processus de réalisation d’un film ! Le cœur émotionnel du film est la relation d’Ed Wood avec Bela Lugosi, un ancien célèbre acteur de films d’horreur aux prises contre des problèmes de drogue, interprété par un excellent Martin Landau. L’histoire de vie d’Ed Wood correspondait parfaitement à un film de Tim Burton parce qu’il a une telle affection pour les étrangers. Cette tendresse et cette attention transparent dans le traitement par Burton de cette tranche unique de l’histoire d’Hollywood.

Beetlejuice incarne tout ce que nous aimons chez Tim Burton : c’est l’un des films les plus étranges jamais réalisés, à propos d’un démon rebelle nommé Bételgeuse qui est engagé par un couple sain, récemment décédé, pour « exorciser » les personnes vivantes hors de leur maison.

Le film présente des effets pratiques incroyables, des créatures à tête réduite et des corps en décomposition aux vers de sable géants, qui trouvent tous un équilibre parfait entre le dessin animé et l’effrayant. Michael Keaton livre une performance inoubliable dans le rôle du personnage principal, se transformant complètement avec une marche spasmodique, des cheveux comme des prises électriques et une peau verte qui pèle. C’est un showman grossier dont la méchanceté se manifeste par un humour irrévérencieux et des pitreries qui dépassent les limites. Tous les personnages de Beetlejuice sont saisissants, et les performances sont tout aussi mémorables, d’Alec Baldwin et Geena Davis dans le rôle du couple fantôme, à Catherine O’Hara dans le rôle de la sculptrice mélodramatique, et Winona Ryder dans le rôle de l’énigmatique adolescente Lydia.

Beetlejuice est une comédie délicieusement absurde et créative qui dépeint l’innocence ensoleillée et typiquement américaine de la banlieue avec une touche macabre, couronnée par des numéros musicaux de possession démoniaque de Harry Belafonte. C’est ce mélange étrange qui en fait non seulement un excellent film, mais aussi un favori d’Halloween.

Gros poisson est Tim Burton à son état le plus humain et introspectif tout qu’il conserve sa vision spectaculaire et singulière. Albert Finney et Ewan McGregor sont parfaitement choisis pour incarner la version plus âgée et plus jeune d’Edward Bloom, un vendeur charismatique avec un amour de l’aventure et une étincelle dans les yeux. E dward adore partager des histoires colorées sur sa vie : embrasser des sirènes, attraper un énorme poisson, rencontrer un géant au cirque et être témoin de son avenir dans l’œil de verre d’une sorcière, autant de spectacles visuels remplis de décors fantastiques, de couleurs vives et de détails oniriques.

Après nous avoir éblouis par sa fantaisie et avoir posé le problème central (le fils d’Edward, William, joué par Billy Crudup, est fatigué des histoires à dormir debout de son père), Gros poisson atteint un climax hautement émotionnel qui consolide le film comme l’un des meilleurs films de Tim Burton. Beau et sentimental, Gros poisson nous rappelle l’importance de la famille et du partage de souvenirs et d’histoires les uns avec les autres afin que notre héritage perdure.

Edward aux mains d’argent est la plus grande réussite de Tim Burton, marquant une rupture significative avec ses films plus comiques ou orientés vers l’action, qui confère à l’esthétique excentrique pour laquelle il est connu une profonde gravité émotionnelle. C’est également la première fois que Tim Burton travaille avec Johnny Depp, qui jouera plus tard dans sept autres de ses films.

Johnny Depp joue un jeune homme aux mains en ciseaux qui est séduit par une dame d’Avon au grand cœur. Avec un dialogue minimal et une présence sans prétention, sa performance ressemble à celle d’un acteur de cinéma muet. Dans de rares gros plans, Johnny Depp communique tellement de choses à travers ses yeux bruns tristes : confusion, innocence enfantine, âme brisée. Winona Ryder joue la pom-pom girl blonde dont Edward tombe amoureux, et leur lien tacite et empathique vous entraîne dans l’histoire classique d’une « bête » ostracisée qui tombe amoureuse d’une beauté.

Contrairement aux autres films de Tim Burton, qui mettent souvent l’accent sur les éléments comiques de ses décors fantaisistes, celui-ci juxtapose les rangées monotones de maisons aux couleurs pastel avec le château gothique noir d’encre où vit Edward pour faire des observations réfléchies sur le rejet sociétal des étrangers et des personnes différentes. Il y a tellement de moments qui semblent tout droit sortis d’un livre de contes, comme lorsque Kim virevolte dans la « neige » créée par Edward, accompagnée par la partition chorale enchanteresse de Danny Elfman.

Edward aux mains d’argent n’est pas seulement le meilleur film de Tim Burton, mais l’un des plus grands contes de fées modernes jamais racontés.